werkschau robert beavers

In Pitcher of Colored Light filmt Beavers das Haus und den Garten seiner Mutter. "Die Schatten spielen eine wesentliche Rolle im Gemenge von Einsamkeit und Ruhe, das dort existiert. Die Jahreszeiten bewegen sich vom Garten ins Haus und werfen frühmorgens oder nachmittags kräftige Lichtstreifen an die Wand. Jeder Schatten drückt eine subtile Balance von Stille und Bewegung aus und zeigt die lebendige Instabilität des Raums. Seine besondere Beschaffenheit ebnet den Weg ins Subjektive. Die Stimme im Film spricht Erinnertes an. Die Wände sind gleich Leinwände, durch die ich mich der bewohnten Privatsphäre nähere. Wir erfahren einen Ort durch unseren vorgeprägten Blick und hören die Stimme des Anderen mit unserer eigenen Akustik. Der Eindruck eines Ortes lässt sich nie vom Augenblick lösen." (R.B.)

The Suppliant ist "ein kunstvoll ausgearbeitetes, fünfminütiges Portrait der titelgebenden kleinen Statue und des Künstlerfreundes, in dessen Wohnung sie steht. Ihre Arme sind einem Abwesenden entgegengestreckt – vielleicht einer Gottheit, oder, wie es die Einstellung der Rückansicht der Statue impliziert, der strahlenden Sonne, die durch die Fenster scheint. Die Aufnahmen der Statue wechseln sich mit jenen eines ungemachten Bettes, einer anatomischen Zeichnung, eines gemalten männlichen Aktes und Aussichten auf Lower Manhattan ab. Beavers schwenkt energisch an der glatten Oberfläche der Statue entlang, als wolle er dessen spirituelle und nährende Kraft beschwören, und unterbricht diese Bewegungen mit Aufnahmen ihres Kopfes, ihres Oberkörpers und eines anmutig ausgestreckten Arms. Die Geräusche sind spärlich und präzise: Ein leises Kratzen deutet auf den Freund bei der Arbeit hin, der vielleicht eine Bleistiftskizze schattiert. Ohne eine einzige Aufnahme des Bewohners zeichnen Bilder und Töne das Porträt eines einsamen Lebens, das durch die Kunst getröstet wird." (Tony Pipolo, Artforum)

In Among the Eucalyptuses sehen wir "einen ruhigen Spätnachmittag und eine stumme Gestalt auf einer Bank in Nafplio sitzen, die historischen Figuren Kolokotronis und Kapodistrias sowie alte Fabriken, Maschinen, Lagerhallen und Bahnstrecken, die zu Piraeus gehören und nun im Begriff sind, zu verschwinden." (R.B.)

„Der Klang, die Welt...“ war als Geschenk an Beavers’ ehemalige Vermieterin Cécile Staehelin gedacht, nachdem ihr Mann Dieter Staehelin verstorben war. "Dieter spricht in diesem Film über die Rolle der Musik in seinem Leben, während wir ihn und Cécile eine ‚Arabeske‘ von Bohuslav Martinů spielen sehen. Sie hat einmal gesagt, dass ihr Leben so wie die letzten Noten dieses Musikstücks enden soll." (R.B.)

"Ausgangspunkt für The Sparrow Dream war die Frage, wie die Orte, an denen ich lebte, mein Sehen geprägt haben. Ich bin zu einigen Schauplätzen in Berlin zurückgekehrt, die ich für Diminished Frame in 1970 gefilmt habe. Einer davon war der Meilenstein gegenüber Schloss Charlottenburg. 1970 stand der Meilenstein als düsterer Himmelskörper da, gekrönt von einer preußischen Spitze, gefilmt in schwarz-weiß; jetzt sehe ich ihn als goldene Kugel, umgeben von nachwachsenden Blättern mit Blick auf Fortuna. Auch die Statue, die ich 2002 in Brooklyn gefilmt hatte, fand ich auf dem Leopoldplatz in Wedding stehen. Dreharbeiten in Berlin und Massachusetts: Die umgeschlagenen Seiten einer Ausgabe der Odyssee für Kinder und ein Denkmal aus dem Koreakrieg in meiner Heimatstadt Weymouth deuten auf verschiedene Seiten desselben Themas hin: Nostos* oder Heimkehr. Die Vision von Griechenland, die in meiner Kindheit zum ersten Mal geweckt wurde, bleibt eine Quelle. Trotz unterschiedlicher Geschichten spiegelt eine Kultur die andere wieder: ‚Warum bin ich zurückgekehrt, um diese Orte zu filmen, die ich vor so vielen Jahren verlassen habe?‘ ‚Wegen der tieferen (Ein-)Sicht, die ich jetzt habe.‘" (R.B.)


*nostos: "Rückkehr, Heimkehr; Lied über die Heimkehr; Rückkehr zu Licht und Leben" Das Wort nostos leitet sich von der indoeuropäischen Wurzel *nes-, "Rückkehr zu Licht und Leben" ab; aus anderen indogermanischen Sprachen als dem Griechischen wissen wir, dass diese Wurzel in Mythen vorkommt, die mit dem Morgenstern/Abendstern zu tun haben. Der Morgenstern, "der das Herannahen der Morgendämmerung verkündet", der leuchtet, wenn Odysseus nach Ithaka zurückkehrt, bedeutet, dass Odysseus sowohl von den Toten als auch von seiner Reise zurückkehrt."


In Anwesenheit von Robert Beavers.

Beavers hat Early Monthly Segments mit 18 und 19 Jahre gefilmt, der nun seinen Zyklus My Hand Outstretched to the Winged Distance und Sightless Measure eröffnet. "Es ist ein stark stilisiertes Selbstporträt, das den Filmemacher und seinen Lebensgefährten Gregory J. Markopoulos in ihrer Schweizer Wohnung zeigt. Der Film funktioniert wie ein Tagebuch, das Aspekte des häuslichen Lebens mit präziser Liebe zum Detail einfängt, das Vertraute mit großer Liebe dokumentiert und Objekte und gewöhnliche persönliche Gegenstände in ein hoch aufgeladenes, homoerotisches Werk verwandelt." (Susan Oxtoby, Internationales Filmfestival Toronto)

"In Diminished Frame gibt es ein Gleichgewicht zwischen einem Gefühl für die Vergangenheit, das in den in schwarz-weiß gefilmten Ansichten von West-Berlin zum Ausdruck kommt, und einem Gefühl für die Gegenwart, in der ich mich selbst gefilmt habe, um zu zeigen, wie die Farbe durch das Einsetzen von Filtern in die Blende der Kamera entsteht. Es ist der Raum der Stadt und des Filmemachers. Ich habe nach Anzeichen für die Nachwirkungen des Krieges und nach einigen Momenten des täglichen Lebens gesucht." (R.B.)

In der ersten Hälfte des Films Still Light erkundet Beavers "die feinen Nuancen von Beleuchtung, Farbe und Tiefe, indem er das Gesicht eines jungen Mannes an verschiedenen Orten auf der griechischen Insel Hydra mit einer Vielzahl von individuell angepassten Masken und Filtern aufnimmt. Das Gesicht des Mannes bleibt die ganze Zeit über gleich, umgeben von ikonischen Elementen in der Landschaft, wie ein pulsierendes Renaissance-Porträt. Still Light erinnert an eine Reihe von strukturalistischen Binarismen: Jugend und Alter, Schöpfung und Kritik, Aktion und Reflexion, lebendige Landschaft und mumifizierter Text." (Ed Halter, New York Press)


In Anwesenheit von Robert Beavers.

"Mit der Fertigstellung von From the Notebook of... (1971) verlagerte sich mein Denken mehr auf das, was wir als Menschen teilen. Dies zeigte sich in der Art und Weise, wie ich Work done (1972/99) vorbereitete. Ich filmte einfache, vom Menschen geschaffene Objekte und Handlungen. Meine erste Wahl war ein Eisblock in einer Werkstatt, einer Bodega, in der Nähe der Via Tournabuoni in Florenz. Ich ließ das Eis die Reihenfolge und Länge der Aufnahmen und Kamerabewegungen diktieren. Die Assoziationskette, die ich aus dem Eisblock zog, entwickelte das Thema "Arbeit" als gemeinsame Erfahrung und wurde zu einer Metapher für mein eigenes Filmemachen. Ich suchte in Florenz und Graubünden nach Objekten und Orten, die mich mit der gleichen Klarheit ansprachen wie die frühe Florentiner oder Sieneser Malerei. Es ist merkwürdig, wie meine Wahl der Drehorte in Graubünden wie ein Pendel wirkte, das mich jedes Mal zu einer klareren Vorstellung von Florenz und seiner tief visuellen Religion zurückbrachte." (R.B.)

In The Painting werden Aufnahmen des Verkehrs in der Berner Innenstadt mit Details aus einem Altarbild aus dem 15. Jahrhundert, Das Martyrium des Heiligen Hippolyt, kombiniert. "Das Gemälde zeigt den ruhigen, fast nackten Heiligen in einer friedlichen Landschaft, ein eingefrorener Moment, bevor vier Pferde seinen Körper in Stücke reißen, während ein Publikum von vornehmen Adligen zuschaut; in der überarbeiteten Version gibt Beavers dem Gemälde einen vergleichbar seltenen psychodramatischen Stoß, indem er Aufnahmen von Gregory Markopoulos, die von Lichtstrahlen halbiert werden, mit einem zerrissenen Foto von ihm selbst und dem wiederkehrenden Bild einer zerbrochenen Fensterscheibe gegenüberstellt." (J. Hoberman, The Village Voice)

Auch der Film AMOR (1980) greift das Thema "Arbeit" auf. "Durch die genaue Beobachtung einer Schneiderwerkstatt und des Prozesses des Zuschneidens und Nähens eines Anzugs bewegte ich mich zwischen den Schauplätzen in Rom oder Verona und dem Heckentheater in Salzburg hin und her. Das Drehen des Objektivs vor der Kameraöffnung und das Eintauchen meiner Hand in den Bildausschnitt bestimmen das Maß des architektonischen Raums und die metaphorische Struktur des Films. Die Kraft in der Hand, die nach Konturen sucht und Verbindungen herstellt, schafft ihren Rhythmus durch Wiederholung. Ich habe eine Assoziationsfreiheit erreicht, indem ich die Arbeit des Schneiders, die Fassadenrenovierung und die Beschneidung des Heckentheaters kombiniert habe, um eine kreative Kraft zu suggerieren, die alles zusammenhält. Ein Unterton von unbewusster Gewalt rührt vielleicht von psychologischer Spannung und Isolation her. Jahre später kehrte ich erneut nach Italien zurück, um die Architektur von Francesco Borromini in Rom und einen Baumhain (roccolo) mit leeren Vogelkäfigen auf einem Hügel bei Brescia zu filmen. Ich reiste zwischen diesen Orten hin und her und wieder zum Heckentheater in Salzburg, diesmal im Schnee. Bei den Dreharbeiten zu The Hedge Theatre (1986/2002) habe ich einen Schritt nach vorne gemacht, hin zu mehr liedhafter Empathie und Sanftheit. Die Begeisterung für Borrominis Architektur und die Metapher des Nähens, verwoben mit meinen Erfahrungen von Liebe, Armut und Exil, ließen mich über das Filmemachen nachdenken. Im Nachhinein sehe ich eine Verbindung zwischen der Geste der erhobenen Arme des Bettlers auf dem Gemälde von St. Martin, das jetzt im letzten Teil von The Hedge Theatre zu sehen ist, und einer ähnlichen Geste der kleinen griechischen Statue in The Suppliant (2010). Meine Reise führte mich von der materiellen Nüchternheit der Objekte in Work done durch das Labyrinth von AMOR zu The Hedge Theatre mit seinen Boten der Sterblichkeit und der Frage nach der Ewigkeit." (R.B.)


In Anwesenheit von Robert Beavers, mit Gespräch nach den Filmen.