Jerome Hiler filmt seit 1963 persönliche, ausschließlich auf 16mm gedrehte und projizierte Filmgedichte. Als Assistent hat er unter anderem an The Illiac Passion von Gregory J. Markopoulos, einer der singulärsten und idiosynkratischsten Gestalten des New American Cinemas, mitgewirkt. Hilers eigenes Werk blieb der breiten Öffentlichkeit bis vor wenigen Jahren unbekannt, da er es bevorzugte, seine Filme nur mit Freund:innen in privaten Vorführungen zu teilen, wobei er die Filmoriginale projizieren ließ und somit seine Filme dem Verfall durch Abnutzung preisgab. Am Anfang des letzten Jahrzehnts begann Hiler seine Filme auch öffentlich zu zeigen, seitdem folgten Screenings und Werkschauen in Barcelona, New York und San Francisco. In einer Anmerkung zu Acid Rock, einem Film, den Hiler Anfang der 1990er Jahre auf veraltetem Ektachrome-Umkehrmaterial gedreht hat, lässt sich eine Beschreibung finden, die Hilers filmisches Schaffen skizziert. Der Filmhistoriker und Experimentalfilmer Wheeler Winston Dixon schreibt: “Alltagsgegenstände, Orte, Dinge und Menschen werden in Phänomene des Lichts verwandelt, wodurch eine geschmeidige Tapisserie aus rastlosen imagistischen Konstruktionen entsteht.” Hilers Erfahrung als Glasmaler hat seinen Umgang mit Farben und Licht stark inspiriert, immer wieder nutzt er Mehrfachbelichtungen, um verschiedene Bildschichten zu erzeugen. Wir zeigen Hilers komplettes Filmschaffen bis 2018 sowie die Filme Hours for Jerome Part I & 2 von Nathaniel Dorsky, einer der zentralen Figuren des amerikanischen Experimentalfilms und langjähriger Partner Hilers. Die Werkschau ist die erste ihrer Art in Europa, eine Reihe an Filmen feiert in Frankfurt ihre Deutschlandpremiere.

In seinen Texten zu den Filmen von Danièle Huillet und Jean-Marie Straub schreib der französische Filmkritiker Serge Daney immer wieder von der Einstellung „als Grab“. Die gefilmten Landschaften, so Daney, leisten Zeugenschaft von den auf ihnen verübten Gewalttaten und dem vergossenen Blut. Die in diesem Programm versammelten Arbeiten beschäftigen sich unter verschiedenen formalen und ästhetischen Programmen mit der „Spurensuche“, mit der Untersuchung von Landschaften und ihrer Geschichte. Die extrem heterogenen künstlerischen Ansatzpunkte und Praktiken, die in diesen drei Filme des Programms vertreten sind, zeugen von der Vielseitigkeit des gegenwärtigen Filmschaffens in Südamerika, während die den Werken gemeinsamen Thematiken und ihr Interesse, die Geschichte in den Landschaften der Gegenwart mithilfe der Kamera “auszugraben” sie in eine Wahlverwandtschaft bringt. Die Filme des Programms bearbeiten Landschaften aus Argentinien (Ceniza Verde), Chile (Altiplano) und Brasilien (Look closely at the Mountains). Gemeinsam zeugen von dem Geschichtsbewusstsein einer Generation, die an der Aufarbeitung der jahrhundertelangen Unterdrückung ihres Kontinents interessiert ist.

Dieses Programm konzentriert sich auf Filmemacher:innen, die für eine Zeit in Frankfurt gelebt haben oder noch dort leben. Es versteht sich als Schaufenster für gegenwärtige und historische Arbeiten der verschiedenen Experimentalfilmszenen des Rhein-Main-Gebiets und gleichzeitig als Ausblick auf Fortführungen und Vertiefungen für kommende Programme. Günter Zehetners Arbeiten Ohne Titel und Schlafen II geben Einblick in das persönliche geprägte Schaffen des Regisseurs und zeigen gleichzeitig die Unterschiede in der Arbeit mit Super 8 Stumm- und Tonfilm. Milena Gierke hat wie Zehetner an der Städelschule bei Peter Kubelka Film studiert, im Programm geben ihre Filme Stündlich I-III sowie Sommererfrischung Eindrücke ihres umfangreichen Werks, das mal impressionistisch-tagebuchartig, mal hoch-konzeptuell mit dem Medium und der eigenen Person arbeitet. Obtala, Maggi, O.T. 89 sowie Self-fulfilling prophecy von Monika Schwitte arbeiten mit Übermalungen, Schnitten und Kratzern von gefundenem Material an der Schnittstelle von Malerei und Film, stets geprägt von einer genauen Aufmerksamkeit für Filmmaterial sowie den einzelnen Bildkader. Gunter Deller, Film- und Kinomacher, ist ein fester Bestandteil der Frankfurt Filmszene, seine Arbeiten im Programm, Räume (1989) und Schlafende Hunde (2007), zeugen von tiefer Kenntnis und Freude an der Arbeit mit analogem Filmmaterial.

Dore O.s Werk scheint eine gewisse Autonomie innerhalb des deutschen Experimentalfilms zu beanspruchen. Von 1967 bis 2000 widmete sie sich in ihren Filmen einer bildhaft erlebten Wirklichkeit, die sich mittels vielschichtiger Tableaus in einer steten Bildwerdung- und modulation entfaltet, in jenem Zustand eines andauernden “Werdens”, das Maya Deren als das von Frauen zum Ausdruck gebrachte Zeitempfinden deklarierte. Dore O.s assoziativer, fast vorbewusster Fluss von Bildern und Klängen fordert in seiner exponierten Sinnlichkeit rein verbale oder intellektuelle Register der Interpretation heraus. Zwischen innerer Versenkung und bewusster Wahrnehmung oszillierend wird ein rhythmisches Widerspiel von materiellen Kontrasten, von Tiefe und Fläche, Stillstand und Bewegung spürbar, „um neue Architekturen alter Formen zu schaffen“ (Dore O.). Jenseits des rein Persönlichen oder bloß Formalistischen scheint ihre höchst enigmatische Poetik untrennbar mit der Erforschung filmischer Materialität und Wahrnehmung verbunden. Auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen von Subjektivität und Bewusstsein überführte Dore O. malerische, grafische und poetische Konzeptionen des Mediums in eine distinktiv filmische Sprache, die elliptische Erzählungen im Halbverborgenen evoziert. Dore O.s komplexe Bildschichtungen und deren musikalisch-hypnotischer Charakter in Kombination mit radikalen Klanglandschaften ziehen sich durch die drei Filmprogramme, die das komplette Frühwerk der 1960er bis 70er Jahre in digital restaurierter Form sowie drei Filme auf 16mm aus ihrem Spätwerk versammeln.